Faleceu ontem o artista búlgaro Christo (1935-2020), um dos nomes mais representativos da expansão da arte para além das galerias e sua fusão com a paisagem e com a arquitetura - aquilo que a crítica Rosalind Krauss chama de "campo ampliado". Christo e sua parceira Jeanne-Claude (falecida em 2009) contribuíram para o alargamento dos limites da arte e a incorporação do lugar como parte da obra, tendência em voga nos anos 1960. Seus projetos são caracterizados pelo gigantismo. O planejamento e realização das intervenções costumava demorar anos, mas elas só ficavam à vista do público durante alguns dias, em razão de sua natureza efêmera. A dupla "embrulhou" com tecido edifícios, ilhas e outros ambientes, resignificando esses lugares. Com essa estratégia de ocultamento, chamam atenção para aspectos da paisagem que passam despercebidos, ou seja, o ocultamento é utilizado para revelar, pois na medida em que aqueles elementos são “embrulhados”, nos damos conta de sua presença. Christo começou embalando pequenos objetos cotidianos, ainda na década de 1950, como latas e garrafas, explorando pouco a pouco itens maiores, como motocicletas e poltronas, até chegar nas grandes intervenções em parceria com Jeanne-Claude a partir de 1961. O "rito" da embalagem está diretamente ligado ao desejo, ao fetiche, à sociedade do consumo e do espetáculo, temas debatidos na filosofia e na arte quando Christo realizou seus primeiros trabalhos. Os projetos de Christo e Jeanne-Claude, contudo, não podem ser comprados, adquiridos, possuídos, a não ser por meio de esboços, registros e pequenos protótipos. Desta maneira, a dupla desafiava o sistema comercial da arte, que hoje já se moldou às transformações ocasionadas pela arte conceitual, land art, performance, minimalismo e intervenção urbana.
Imagens:
Christo, Motocicleta embrulhada, 1962 / Christo, Telefone embrulhado, 1962 / Christo & Jeanne-Claude, Running Fence, 1972-76 / Christo & Jeanne-Claude, Reichtag Embrulhado, Berlim, 1971-95 / Christo & Jeanne-Claude, Surrounded Islands, Miami, 1980-83
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Em 2003, o nome de Guga Ferraz (@ferraz_guga) circulou na mídia como o artista que “vandalizou” as placas de pontos ônibus do Rio de Janeiro, após colar nas mesmas adesivos em formato de chamas de fogo, como maneira de sinalizar os recorrentes incêndios criminosos a veículos que vinham ocorrendo na cidade. Em "Ônibus Incendiado" e em seus demais trabalhos de intervenção urbana, o artista subverte a lógica publicitária que transforma o Rio de Janeiro em objeto de consumo com o slogan “cidade maravilhosa” e lança um olhar crítico para os espaços da cidade. Apropriando-se de uma placa que sinaliza que determinado lugar é onde os ônibus realizam suas paradas, o artista, como um vírus, altera sua mensagem e a placa passa a comunicar que os veículos estão sendo incendiados. "Ônibus Incendiado" foi interpretado pelas autoridades locais como depredação do patrimônio público e como apologia ao crime. Em 2006, o então chefe da Polícia Civil do RJ ameaçou investigar a vida de Guga. Ironicamente, dois anos após essa ameaça, o mesmo chefe da Polícia Civil foi preso por possuir envolvimento com o crime. Através do choque e da repercussão ocasionadas pelo incêndio simbólico de placas de ônibus, o artista coloca em evidência a hipocrisia dos discursos das autoridades e da sociedade, que fecham os olhos diante da barbárie real e condenam uma ação da esfera artística.
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"PlayFEUllagem" é um trabalho de Regina Vater (@reginavater) realizado em 1974 nos Jardins de Luxemburgo, em Paris. Em parceria com Antônio Pitanga, a artista criou um quadro sobre o chão que funcionava como uma espécie de storyboard, ganhando vida com a posição do sol e o movimento das árvores. Esta construção poética faz parte da série "Cinematic Stills", que consiste em tirar várias fotos de um mesmo tema, explorando o tempo das ações. A artista tem interesse especial no audiovisual desde a década de 1970. "PlayFEUllagem" fez parte de sua histórica exposição "Restos da paisagem", realizada na Área Experimental do Museu de Arte Moderna do Rio em 1976, que reuniu audiovisuais, fotografias, fotocópias, desenhos, objetos e poemas resultantes das pesquisas realizada por Vater durante uma temporada de três anos no exterior.
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O evento "Bandeiras na Praça General Osório", também conhecido como o "Happening das Bandeiras", aconteceu em fevereiro de 1968 em Ipanema, no Rio de Janeiro, reunindo artistas como Nelson Leirner, Flávio Mota, Carlos Scliar, Hélio Oiticica, Marcelo Nietsche, Carlos Vergara, Rubens Gerchman, Glauco Rodrigues, Anna Maria Maiolino, Petrina Checcacci, Cláudio Tozzi e outros, que produziram bandeiras para serem penduradas em varais ou árvores da Praça General Osório. Entre elas, estava a famosa "Seja marginal, seja herói", de Hélio Oiticica, que fazia sua primeira aparição pública e se tornaria símbolo da cultura marginal. Com clima festivo, o evento trazia também a bateria da Mangueira e a recém-criada Banda de Ipanema, hoje um dos principais ícones do Carnaval carioca. O Brasil vivia a ditadura militar e, semanas após o evento, morreria o estudante Edson Luís Lima Souto em conflito com a Polícia Militar, o que deflagraria uma série de protestos, e no final daquele mesmo ano seria promulgado o AI-5, institucionalizando a censura e a tortura. Embora parte das bandeiras carregassem conteúdo de cunho político, talvez a proximidade ao Carnaval, a presença da bateria da Mangueira e da Banda de Ipanema tenham mascarado o happening como um bloco ou festa popular, impedindo-o que fosse notado como uma manifestação subversiva e, consequentemente, repreendido. Uma curiosidade sobre o Happening das Bandeiras é que dias após sua realização os artistas voltaram a ocupar a praça colocando à venda bandeiras e gravuras. Isto deu origem à famosa Feira Hippie de Ipanema, que até hoje é realizada aos domingos.
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A videoperformance Soledad (2014), da artista pernambucana Juliana Notari (@juliana_notari), tem como cenário o mausoléu de um cemitério abandonado em Belém do Pará, onde Notari adentra, vestida de branco, e realiza meticulosamente a limpeza de uma urna, enquanto uma câmera acompanha todo o processo, desde sua entrada no local até sua saída, quando sua roupa branca já está impregnada de resíduos da urna. Na ação, a artista estabelece uma troca simbólica: ela leva vida àquele lugar e retorna com signos da morte em seus trajes.
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